Gustav Klimt a baigné depuis l’enfance dans un univers d’art et de culture, où la musique avait une place importante. Son père, Ernst Klimt, était orfèvre et sa mère, Anna Finster, chanteuse lyrique, qui ne faisait pas carrière. Gustav Klimt sera toujours sensible au chant. Il apprécie particulièrement les lieder de Franz Schubert.

En 1888, l’année de ses 25 ans, Gustav Klimt exécute un des rares portraits d’homme que nous connaissons de sa main. Celui du compositeur et chef d’orchestre Josef Pembaur. Il était aussi directeur de l’académie de musique d’Innsbruck, sa ville natale. Serge Sanchez écrit dans le livre qu’il consacre à Klimt, au sujet de ce portrait : "Le traitement minutieux, quasi photographique, de la figure du musicien, avec sa chevelure de jais et son costume noir sur fond rouge, contrastait avec le décor en à-plats dont les éléments évoquent Apollon. A droite, le dieu jouant de la lyre au sommet d’une colonne est inspiré d’une peinture sur vase de la Grèce antique. Clin d’œil malicieux, le fût de la colonne est décoré de touches de piano. En bas, des dauphins bondissants rappellent l’origine du nom du temple de Delphes, où se manifestait l’oracle d’Apollon. Enfin, dans le trépied de la sibylle, que Klimt représentera souvent par la suite, brûle de l’encens dont la fumée s’élève vers un ciel semé d’étoiles stylisées. Le musicien est présenté comme le serviteur d’un art immémorial". Sanchez poursuit : "A travers le portrait de Pembauer, c’est la musique elle-même que Klimt a représentée, dans le respect de ces allégories et emblèmes, sur lesquels il avait travaillé pour Gerlach. Cependant, l’utilisation de l’or, de la spirale, la dissolution rythmique de l’image dans les étoiles stylisées qui jaillissent des verticales formées par les cordes de la lyre, tout cela préfigure la grammaire future que le peintre portera à son degré le plus complexe, le plus ingénieux, pour en faire une langue artistique nouvelle et résolument moderne." Le compositeur Pembaur, représenté par Gustav Klimt, avait étudié au conservatoire de Vienne, notamment auprès d’Anton Bruckner.

Le printemps 1897 est une période cruciale à Vienne. Et le 3 avril 1897 est une date marquante. Ce jour-là, un des derniers géants du romantisme s’éteint. C’est Johannes Brahms… Le même jour, une quarantaine d’artistes se réunissent chez Rudolf von Alt. Ils fondent l’Union des artistes peintres autrichiens. Le mouvement, avec notamment Gustav Klimt, entre en dissidence contre l’art officiel et il prend le nom de Sécession. Klimt en devient le président. La Sécession réunit des sculpteurs, des architectes, des peintres et des dessinateurs qui veulent se libérer de l’école traditionnelle et de la routine. Leur consigne est "non aux formes d’art empruntées". Ce qu’ils veulent, ce n’est pas spécialement créer ensemble un style nouveau mais plutôt encourager chaque artiste à "parler sa propre langue". Alfred Roller, Koloman Moser, Otto Wagner, Adolf Loos…. marqueront durablement l’art. L’écrivain Stefan Zweig décrit l’atmosphère culturelle de Vienne comme ceci : "A l’intérieur, on sentait qu’elle avait grandi comme le tronc d’un arbre qui ajoute un anneau à l’autre." Et tout cela se passe dans un grand esprit d’ouverture. Vienne accueille les esthétiques de l’Europe entière, sans perdre son âme.

C’est à l’occasion des réunions de La Sécession viennoise que Klimt fera la connaissance d’Alma Mahler. La Sécession veut s’affranchir des exigences du marché. Elle se fixe trois objectifs : offrir aux jeunes artistes d’avant-garde les moyens d’exposer leurs œuvres, inviter à Vienne des artistes étrangers et publier une revue. Et l’idée de base est la suivante : une liberté d’expression totale. Le titre de la revue sera Ver Sacrum, Printemps Sacré.

Le troisième numéro de la Revue est entièrement consacré à Gustav Klimt. Il en réalise d’ailleurs la couverture. Parmi les illustrations, on trouve La Musique 1, sur un poème de Rilke.

Klimt est contemporain de nombreux compositeurs qui étaient aussi en rupture avec l’académisme artistique. Parmi eux, Claude Debussy, avec lequel il a en commun, ses dates de naissances et de mort (1862-1918).

Des femmes, dont les chevelures se déploient parmi les algues d’un vert-bleu, sont emportées par des courants sous-marins. L’ondine rappelle l’Or du Rhin de Wagner. Comme l’écrit Hermann Bahr à propos de Klimt :

Sa main était devenue une baguette magique. Il la faisait glisser doucement le long des contours du monde, jusqu’au moment où, dans un sursaut, elle lui livrait leur essence cachée.

En 1893, Klimt reçoit une nouvelle commande : la décoration du salon de musique du Palais Dumba. Il est chargé de l’aménagement complet de la pièce, y compris l’encadrement des portes, les grilles de chauffages ornées de flammes et de notes de musique, les décorations d’angle… son frère George, l’aide, et réalise les pièces de métal. A cette occasion, Klimt crée une peinture intitulée Schubert au piano.

Dumba était un mélomane averti et comme Klimt, un grand admirateur de Schubert. Dans sa jeunesse, il avait chanté des lieder de Schubert et il avait aussi réuni une collection d’autographes très précieuse. Klimt achète un piano pour bien se pénétrer du sujet.. Sur la toile, Schubert est entouré de trois jeunes filles. Comme l’écrit Serge Sanchez, l’atmosphère de flou, la déclinaison étouffée de tons brins et or donnaient au tableau un air d’irréalité, mais aussi de chaleur et d’intimité. Dans le salon cerné par la nuit, les âmes communient grâce à la musique. Hermann Bahr considérait Schubert au piano, comme le plus beau tableau qu’ait jamais peint un Autrichien.